La musique est une forme d'art consistant de son et le silence exprimé pendant le temps. Les éléments de son comme utilisé dans la musique sont le lancement (incluant la mélodie et l'harmonie), le rythme (incluant le tempo et le mètre), la structure et les qualités soniques de timbre, l'articulation, la dynamique et la texture.

La création, l'exécution, la signification et même la définition de musique, varie selon la culture et le contexte social. La musique s'étend de compositions strictement organisées et le fonctionnement à improvisational ou des formes aléatoires. Pour les buts
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de discussion et l'exploration du sujet, la musique est divisée dans des genres et des sous-genres, bien que les lignes de démarcation et les rapports entre des genres de musique soient souvent peu clairs et-ou controversés. Dans "les arts", la musique peut être classifiée comme un art exécutant, un art excellent, ou une forme auditive d'art.

La musique peut aussi impliquer des formes génératives à temps par la construction de modèles et les combinaisons de stimulus naturels, se sonner principalement . La musique peut être utilisée pour artistique ou esthétique, communicatif, le divertissement, des buts cérémoniaux ou religieux et par beaucoup de compositeurs purement comme un instrument universitaire pour l'étude.

Histoire de musique

L'histoire de musique précède le mot écrit et est liée au développement de chaque culture humaine unique. Le développement de musique parmi des gens est arrivé contre le fond de sons naturels comme la chanson et les sons d'autre utilisation d'animaux pour communiquer. La musique préhistorique, encore une fois généralement appelé la musique primitive, est le nom donné à toute la musique produite dans des cultures d'avant-écriture (la préhistoire), commençant quelque part dans la très dernière histoire géologique.

Les figurines jouant des instruments à cordes, ont creusé à Susa, le 3ème millénaire av. J.-C l'Iran le Musée national.

Les figurines jouant des instruments à cordes, ont creusé à Susa, le 3ème millénaire av. J.-C l'Iran le Musée national.

Antique

musique antique

La voix humaine est probablement l'instrument de musique le plus vieux. Une gamme de sites paléolithiques a rapporté des os dans lesquels des trous latéraux ont été percés : on considère d'habitude ceux-ci être des flûtes [1], soufflé à la fin comme le japonais shakuhachi. Les rapports écrits les plus premiers d'expression musicale doivent être trouvés dans le Sama Veda de l'Inde et dans l'écriture cunéiforme de 4,000 ans d'Ur. Les instruments, comme les sept - ont troué la flûte et les types divers d'instruments à cordes ont été remis la civilisation de vallée Indus des sites archéologiques. [2] la musique indienne est une des traditions musicales les plus vieilles dans le monde et la musique classique indienne (marga) peut être trouvée des Ecritures saintes de la tradition hindoue, le Vedas. La musique classique chinoise, l'art traditionnel ou la musique de cour de la Chine ont une histoire s'étirant pendant plus de trois mille ans. La musique était une partie importante de vie culturelle et sociale en Grèce Antique. En Grèce antique, des choeurs de mélanger-genre exécutés pour le divertissement, la célébration et des cérémonies spirituelles et des musiciens et des chanteurs avaient un rôle important dans le théâtre grec. La musique faisait partie de l'éducation de base d'enfant en Grèce antique.

Al-Farabi (872-950) a écrit un livre notable sur la musique s'est intitulé Kitab Al-Musiqa (le Livre de Musique). Il a joué et a inventé un numéro divers d'instruments de musique et son système de ton Arabe pur est toujours utilisé dans la musique arabe aujourd'hui. [3]

Médiéval et Renaissance

Articles principaux : musique médiévale et musique de Renaissance

Tandis que la vie musicale était sans aucun doute riche en ère du haut moyen âge, comme certifié par les descriptions artistiques d'instruments, des écritures de la musique et d'autres rapports, le seul répertoire de musique qui a survécu jusqu'à 800 au jour présent est le plain-chant la musique liturgique de l'Église Catholique, le dont la plus grande partie a été appelée le Chant grégorien. Plusieurs écoles de polyfaux fleuri dans la période après 1100. À côté de ces écoles de musique sacrée une tradition vibrante de chanson laïque s'est développée, comme donné un exemple dans la musique des troubadours, trouvères et Minnesänger.

Beaucoup de musique survivante du 14ème siècle dans l'histoire de musique européenne est laïque. Au milieu du 15ème siècle, les compositeurs et des chanteurs ont utilisé un lisse polyfaux pour des compositions musicales sacrées comme la masse, le motet et le laude; et formes laïques comme le chanson et le madrigal. L'invention d'impression avait une influence immense sur la dissémination de styles musicaux.

Baroque

musique baroque

Les premiers opéras, écrits autour 1600 et la hausse de Contrepoint des compositions musicales définissent la fin de la Renaissance et le début de l'ère Baroque qui a duré jusqu'à 1750, l'année de la mort de J.S. Bach, avec Georg Friedrich Handel le plus de notoriété publique des compositeurs Baroques (quoique beaucoup de compositeurs aient embrassé le mouvement Baroque dans la musique pendant ces années).

Allégorie de Musique, par Filippino Lippi

Allégorie de Musique, par Filippino Lippi

Allégorie de Musique sur l'Opéra Garnier

Allégorie de Musique sur l'Opéra Garnier

Des compositeurs Baroques allemands ont écrit pour de petits ensembles incluant des cordes, le laiton et des bois, aussi bien que des Choeurs, l'organe de pipe, le clavecin et le clavicorde. Pendant la période Baroque, plusieurs formes de musique principales ont été définies qui a duré dans des périodes postérieures où ils ont été étendus et développés plus loin, y compris la Fugue, l'Invention, la Sonate et le Concerto. [4]

Classique

période classique (musique)

La musique de la période Classique est caractérisée par la texture homophonic, montrant souvent la mélodie en vue avec l'accompagnement. Ces nouvelles mélodies ont eu tendance à être presque semblables à la voix et singable. La nouvelle évolution a dominé la musique instrumentale maintenant populaire de formes musicales initialement définies dans la période Baroque : la sonate et le concerto, avec le complément de la nouvelle forme, la symphonie. Franz Joseph Haydn et Wolfgang Amadeus Mozart, bien connu même aujourd'hui, sont parmi les figures centrales de la période Classique.

Romantique

musique romantique

Le fourgon de Ludwig Beethoven et Franz Schubert était des compositeurs transitoires, induisant en la période Romantique, avec leur expansion de genres existants, des formes et les fonctions de musique. Dans la période Romantique, les qualités émotionnelles et expressives de musique sont venues pour avoir la priorité sur l'orientation vers la technique et la tradition. Le dernier 19ème siècle a vu une expansion dramatique dans la taille de l'orchestre et dans le rôle de concerts comme la partie de société urbaine. Des compositeurs Plus tard Romantiques ont créé le complexe et des travaux musicaux souvent beaucoup plus longs, fusionnant et étendant les formes traditionnelles qui avaient précédemment été utilisées séparément. Par exemple, le contrepoint, combiné avec l'harmonie structure pour créer des cordes plus prolongées avec l'utilisation accrue de dissonance et créer la tension dramatique et la résolution.

Le 20ème siècle

musique du 20ème siècle

Le 20ème siècle a vu une révolution dans la musique écoutant comme la radio la popularité gagnée des médias mondiaux et nouveaux et des technologies ont été développés pour enregistrer, capturer, reproduire et distribuer de la musique. Le centre de musique d'art dans le 20ème a été caractérisé par l'exploration. Claude Debussy est devenu bien connu et a respecté pour son orientation vers des couleurs et des descriptions dans son style de la composition. Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg et John Cage étaient tous les compositeurs profondément influents dans la musique d'art du 20ème siècle. Le jazz a développé et est devenu un genre significatif de musique pour la durée du 20ème siècle et pendant la deuxième moitié de ce siècle, la musique rock a fait le même.

Exécution

Chinois Nakhi musiciens

L'exécution est l'exécution de musique. Tandis que la musique ne peut pas techniquement exister sans exécution, nous généralement pensons à l'exécution comme étant l'exposition d'un travail musical avant un auditoire. Un travail musical est exécuté une fois que sa structure et instrumentation sont satisfaisants pour ses créateurs; cependant, comme il est exécuté de plus en plus dans quelque temps, il peut développer et changer de n'importe quel numéro de voies.

Une exécution peut ou être répétée ou improvisée. L'improvisation est une idée musicale créée sur place (comme un solo de guitare ou un solo de tambour), sans préméditation antérieure, tandis que la répétition est la répétition vigoureuse d'une idée jusqu'à ce qu'il ait réalisé la cohésion. Les musiciens ajouteront généralement l'improvisation à une idée bien répétée de créer une exécution unique. Beaucoup de cultures incluent les traditions fortes de solo et l'exécution, comme dans la musique classique indienne et dans la tradition de musique Occidentale D'art. D'autres cultures, comme dans Bali, incluent les traditions fortes d'exécution de groupe. Toutes les cultures incluent un mélange d'entre tous les deux et l'exécution peuvent s'étendre du solo improvisé jouant pour son plaisir aux rituels d'exécution fortement projetés et organisés comme le concert classique moderne, des cortèges religieux, des festivals de musique ou des compétitions de musique.

On voit souvent la musique de chambre, qui est de la musique pour un petit ensemble avec seulement quelques-un de chaque type d'instrument, comme plus intime que des travaux symphoniques. Un interprète peut être mentionné comme un musicien.

Tradition auditive

Beaucoup de types de musique, comme le blues traditionnel et des gens ont été à l'origine préservés dans la mémoire d'interprètes et les chansons ont été passées oralement, ou oralement ("par l'oreille"). Quand on ne plus plus connaît le compositeur de musique, cette musique est souvent classifiée comme "traditionnel". Des traditions musicales différentes ont des attitudes différentes comment et où faire des changements au matériel source original, de tout à fait strict, à ceux qu'exigent l'improvisation ou la modification à la musique. L'oreille passe aussi l'histoire par la chanson - par exemple dans des sociétés africaines.

Ornementation

Ornement (musique)

Le détail inclus explicitement dans la notation de musique varie entre des genres et des périodes historiques. En général, la notation de musique d'art du 17ème par au 19ème siècle a exigé que des interprètes aient eu beaucoup de connaissance contextuelle de styles exécutants.

Par exemple, dans le 17ème et le 18ème siècle, la musique notée pour des interprètes de solo indiquait typiquement une mélodie simple, non ornementée. Cependant, on s'y est attendu à ce que les interprètes sachent comment ajouter des ornements stylistiquement appropriés comme des trilles et des tournures. Au 19ème siècle, la musique d'art pour des interprètes de solo peut donner une instruction générale comme exécuter la musique expressivement, sans décrire en détail comment l'interprète devrait le faire. On s'y est attendu à ce que l'interprète sache comment utiliser des changements de tempo, l'accentuation et des pauses (parmi d'autres dispositifs) pour obtenir ce style d'exécution "expressif". Au 20ème siècle, la notation de musique d'art devenait souvent plus explicite et a utilisé une gamme d'inscriptions et des annotations pour indiquer aux interprètes comment ils devraient jouer ou chanter le morceau.

Dans la musique populaire et le jazz, la notation de musique indique presque toujours seulement la structure de base de la mélodie, l'harmonie, ou l'approche d'exécution; on s'attend aux musiciens et des chanteurs pour savoir les conventions d'exécution et les styles associés aux genres spécifiques et des pièces. Par exemple, "la feuille principale" pour un air de jazz peut seulement indiquer la mélodie et les changements de corde. On s'attend aux interprètes dans l'ensemble de jazz pour savoir comment "étoffer" cette structure de base en ajoutant des ornements, la musique improvisée et l'accompagnement chordal.

Production

production de musique

La musique est composée et exécutée pour beaucoup de buts, aux limites du plaisir esthétique, des buts religieux ou cérémoniaux, ou comme un produit de divertissement pour le marché. Des musiciens amateurs composent et exécutent de la musique pour leur plaisir propre et ils n'essayent pas de tirer leur revenu de la musique. Des musiciens professionnels sont employés par une gamme d'institutions et des organisations, y compris des forces armées, des églises et des synagogues, des orchestres de symphonie, émettant ou des sociétés de production de film et des écoles de musique. Aussi, des musiciens professionnels travaillent comme des travailleurs indépendants, cherchant des contrats et des engagements dans une variété de fixations.

Bien que des musiciens amateurs diffèrent de musiciens professionnels dans ces musiciens amateurs ont une source non-musicale de revenu, il y a souvent beaucoup de liaisons entre des musiciens amateurs et professionnels. Le commencement de musiciens amateurs prend des leçons avec des musiciens professionnels. Dans des fixations de communauté, des musiciens amateurs avancés exécutent avec des musiciens professionnels dans une variété d'ensembles et des orchestres. Dans quelques cas rares, des musiciens amateurs atteignent un niveau professionnel de compétence et ils sont capables d'exécuter dans des fixations d'exécution professionnelles.

Une distinction est souvent faite entre la musique exécutée pour l'avantage d'un auditoire vivant et d'une musique qui est exécutée pour le but d'enregistrement et distribuée par le système de vente au détail de musique ou le système diffusant. Cependant, il y a aussi des nombreux cas où une exécution vivante devant un auditoire est enregistrée et distribuée (ou l'émission).

Composition

composition musicale

La composition est l'acte de créer de la musique, sur le papier ou dans le son. La plupart des cultures utilisent au moins la partie du concept de matériel musical preconceiving, ou la composition, comme tenu dans la musique classique occidentale. Même quand la musique est notée précisément, il y a toujours beaucoup de décisions qu'un interprète doit faire. Le processus d'un interprète décidant comment exécuter la musique qui a été précédemment composée et noté est nommé l'interprétation.

Les interprétations des interprètes différents de la même musique peuvent varier largement. Les compositeurs et les auteurs de chanson qui présentent leur musique propre interprètent, autant que ceux qui exécutent la musique d'entre d'autres ou la musique folklorique. Le corps standard de choix et le présent de techniques à un moment donné et une place donnée est mentionné comme la pratique d'exécution, où comme l'interprétation est généralement utilisée pour signifier choix individuels d'un interprète, ou un aspect de musique qui n'est pas claire et a donc une interprétation "standard".

Dans quelques genres musicaux, comme le jazz et le blues, même on donne plus de liberté à l'interprète pour s'engager dans l'improvisation sur une structure mélodique, harmonique, ou rythmique de base. On donne la latitude la plus grande à l'interprète dans un style d'exécuter appelé l'improvisation libre, qui est matérielle qui est spontanément "pensé" (à imaginé) tandis qu'étant exécuté, non préconçu. Selon l'analyse de Georgiana Costescu, la musique improvisée suit d'habitude stylistique ou des conventions de genre et même "entièrement composé" inclut certains matériel librement choisi (voir precompositional). La composition ne signifie pas toujours l'utilisation de notation, ou la paternité unique connue d'un individu.

La musique peut aussi être décidée en décrivant "un processus" qui peut créer des sons musicaux, les exemples de cette gamme de carillons de vent, par les programmes informatiques qui choisissent des sons. La musique qui contient des éléments choisis est par hasard appelée la musique Aléatoire et est associée à de tels compositeurs que John Cage, Morton Feldman et Witold Lutoslawski.

La composition musicale est un terme qui décrit la composition d'une oeuvre musicale. Les méthodes de composition varient largement d'un compositeur à un autre, cependant dans l'analyse de la musique toutes les formes - spontané, formé, ou non formé - sont construites aux éléments comprenant un morceau musical. La musique peut être composée pour l'exécution répétée ou il peut être improvisé; composé sur place. La musique peut être exécutée entièrement de la mémoire, d'un système écrit de notation musicale, ou une certaine combinaison d'entre tous les deux. L'examen a traditionnellement dominé l'étude de composition de méthodes et la pratique de musique classique Occidentale, mais la définition de composition est assez large pour inclure des travaux spontanément improvisés comme ceux d'interprètes de jazz libres et des batteurs africains.

Ce qui est important dans la compréhension de la composition d'un morceau est singling de ses éléments. Une compréhension des éléments formels de musique peut être utile dans le déchiffrement exactement comment un morceau est construit. Un élément universel de musique est comment les sons arrivent à temps, qui est mentionné comme le rythme d'une oeuvre musicale.

Quand un morceau semble avoir un sens de temps changeant, on le considère être dans le temps rubato, une expression italienne qui indique que le tempo du morceau change au costume l'intention expressive de l'interprète. Le placement Même aléatoire de sons aléatoires, qui arrive dans le montage musical, arrive dans quelque temps et emploie ainsi le temps comme un élément musical.

Notation

notation musicale

La notation est l'expression écrite de notes de musique et des rythmes sur le papier utilisant des symboles. Quand la musique est notée, les lancements et le rythme de la musique est noté, avec des instructions sur la façon d'exécuter la musique. C'est mentionné comme la notation musicale et l'étude de la façon de lire la notation implique la théorie de musique, l'harmonie, l'étude de pratique d'exécution et dans quelques cas une compréhension de méthodes d'exécution historiques.

Notation musicale

Notation musicale

La notation Écrite varie avec le style et la période de musique. Dans la musique Occidentale D'art, les types les plus communs de notation écrite sont le grand nombre, qui inclut toutes les parties de musique d'un morceau d'ensemble et des parties, qui sont la notation de musique pour les interprètes individuels ou les chanteurs. Dans la musique populaire, le jazz et le blues, la notation musicale standard est la feuille principale, qui note la mélodie, des cordes, le lyrique (si c'est un morceau vocal) et la structure de la musique. Néanmoins, le grand nombre et des parties sont aussi utilisés dans la musique populaire et le jazz, particulièrement dans de grands ensembles comme le jazz "de grandes bandes."

Dans la musique populaire, les guitaristes et des joueurs de basse électriques lisent souvent de la musique notée dans la plaque, qui indique l'emplacement des notes à être joué sur l'instrument utilisant un diagramme de la touche de basse ou la guitare. Tabulature a été aussi utilisé dans l'ère Baroque pour noter de la musique pour le luté, un instrument à cordes, tourmenté.

La musique Notée est produite comme des partitions pour les interprètes pour lire de. Exécuter la musique de la notation exige une compréhension tant du style musical que de la pratique d'exécution qui est associée à une oeuvre musicale ou à un genre.

Improvisation

improvisation musicale

L'improvisation est la création de musique spontanée. On considère souvent l'improvisation un acte de composition instantanée par des compositeurs, où des techniques de la composition sont employées avec ou sans préparation.

Théorie

Théorie de Musique

La théorie de musique englobe la nature et la mécanique de musique. Il implique souvent les modèles identifiants qui dirigent les techniques des compositeurs. Dans un sens plus détaillé, la théorie de musique (dans le système occidental) distille aussi et analyse les éléments de musique - le rythme, l'harmonie (la fonction harmonique), la mélodie, la structure et la texture. On connaît les gens qui étudient ces propriétés comme des théoriciens de musique.

Connaissance

connaissance de musique

Nouvelle information : Audition (de sens)

Concert dans le Mozarteum, Salzbourg

Le champ de connaissance de musique implique l'étude de beaucoup d'aspects de musique incluant comment il est traité par des auditeurs. Plutôt qu'accepter les pratiques standard d'analyse, la création et la musique d'exécution comme un donné, beaucoup de recherche dans la connaissance de musique cherche au lieu de cela à découvrir les processus mentaux qui sont à la base de ces pratiques. Aussi, la recherche dans le champ cherche à découvrir des communautés entre les traditions musicales de cultures disparates et "les contraintes" cognitives possibles qui limitent ces systèmes musicaux. Les questions quant au fait d'être inné musical et des réponses émotionnelles à la musique sont aussi les secteurs principaux de recherche dans le champ.

Il est important de noter que les gens Sourds peuvent éprouver de la musique en sentant les vibrations dans leur corps, un processus qui peut être augmenté si l'individu tient un objet résonant, creux. Un musicien sourd bien connu est le fourgon de compositeur Ludwig Beethoven, qui a composé beaucoup de travaux célèbres même après qu'il avait complètement perdu son audition. Les exemples récents de musiciens sourds incluent Evelyn Glennie, un percussionniste fortement acclamé qui a été sourd depuis l'âge de douze et Chris Buck, un violoniste de virtuose qui a perdu son audition. C'est approprié comme il indique que la musique est un processus cognitif plus profond que des expressions non examinées comme, "la complaisance à l'oreille" suggérerait. Beaucoup de recherche dans la connaissance de musique cherche à découvrir ces processus mentaux complexes impliqués dans l'écoute de la musique, qui peut sembler intuitivement simple, cependant est énormément complexe et complexe.

Sociologie

La musique est éprouvée par des individus dans une gamme de fixations sociales aux limites d'être seule à la présence d'un grand concert. Le fonctionnement musical prend des formes différentes dans des cultures différentes et des milieux socio-économiques. En Europe et l'Amérique du Nord, il y a souvent un divisé entre ce que les types de musique sont vus comme "une haute culture" et "la culture basse." "La Haute culture" les types de musique inclut typiquement la musique Occidentale d'art comme Baroque, Classique, Romantique et des symphonies d'ère moderne, des concertos et des travaux de solo et entend typiquement aux concerts formels dans des salles de concert et des églises, avec l'auditoire étant assis tranquillement dans des places.

D'autre part, d'autres types de musique comme le jazz, le blues, l'âme et le pays sont souvent exécutés dans des barres, des boîtes de nuit et des théâtres, où l'auditoire peut être capable de boire, danser et s'exprimer en acclamant. Jusqu'au 20ème siècle postérieur, la division entre des formes musicales "hautes" et "basses" a été largement acceptée comme une distinction valable qui s'est séparée de la meilleure qualité, plus avancé "la musique d'art" des styles populaires de musique entendue dans des barres et des dancings.

Cependant, dans les années 1980 et les années 1990, des musicologues l'étudiant perçu se divisent entre des genres musicaux "hauts" et "bas" a soutenu que cette distinction n'est pas basée sur la valeur musicale ou la qualité des types différents de musique. [La citation nécessaire] Plutôt ils ont soutenu que cette distinction était basée en grande partie sur la position socio-économique ou la classe sociale des interprètes ou de l'auditoire des types différents de musique. [La citation nécessaire] Par exemple, tandis que l'auditoire pour des concerts de symphonie Classiques a typiquement des revenus extraordinaires, l'auditoire pour un concert de hip-hop dans un secteur de quartiers déshérités peut avoir au-dessous de la moyenne des revenus. Bien que les interprètes, l'auditoire, ou le rendez-vous où non - la musique "d'art" soit exécutée peut avoir un statut socio-économique inférieur, la musique qui est exécutée, comme le blues, le hip-hop, le punk, le funk, ou ska peut être très complexe et sophistiqué.

Quand les compositeurs présentent les styles de musique qui rompent avec la convention, il peut y avoir une résistance forte des experts de musique universitaires et la culture populaire. On a tout considéré la période dernière Beethoven des quatuors d'instruments à cordes, Stravinsky le grand nombre de ballet, serialism, le jazz de bebop-ère, l'étape de hanche, la roche de punk et electronica la non-musique par quelques critiques quand ils ont été d'abord présentés. [Citation nécessaire]

Médias et Technologie

Nouvelle information : musique informatique

On peut entendre la musique que les compositeurs font par plusieurs médias; la voie la plus traditionnelle est de l'entendre vivre, en présence, ou comme un des musiciens. La musique vivante peut aussi être l'émission sur la radio, la télévision ou l'Internet. Quelques styles musicaux se concentrent sur la production d'un son pour une exécution, tandis que d'autres se concentrent sur la production d'un enregistrement qui mélange ensemble les sons qui n'ont jamais été joués "en direct". L'enregistrement, même des styles qui sont essentiellement vivants, utilisent souvent la capacité d'éditer et épisser pour produire les enregistrements que l'on considère mieux que l'exécution réelle.

Comme des images parlantes ont apparu au début du 20ème siècle, avec leurs traces musicales pré-enregistrées, un nombre croissant de musiciens d'orchestre moviehouse s'est trouvé au chômage. [5] Pendant les années 1920 en direct le fonctionnement musical par des orchestres, des pianistes et des organistes de théâtre était commun aux théâtres de la première course [6] Avec l'arrivée des films de cinéma parlants, ceux le fonctionnement montre a été en grande partie éliminé. La Fédération américaine de Musiciens a enlevé la publicité de presse protestant du remplacement de musiciens vivants avec des dispositifs de jeu mécaniques. Une annonce de 1929 qui a apparu à Pittsburgh appuie des fonctions une image d'une boîte étiquetée "la Musique En conserve / la Grande Marque Sonore / Garanti pour Ne produire Aucune Réaction Intellectuelle ou Émotionnelle Indépendamment" [de 7]

Depuis la législation présentée pour aider protéger des interprètes, des compositeurs, des éditeurs et des producteurs, y compris l'Acte d'Enregistrement Domestique Audio de 1992 aux Etats-Unis et la Convention de Berne révisée 1979 pour la Protection de Travaux Littéraires et Artistiques au Royaume-Uni, les enregistrements et le fonctionnement vivant sont aussi devenus plus accessibles par des ordinateurs, des dispositifs et l'Internet en forme que l'on connaît généralement comme la musique sur demande.

Dans beaucoup de cultures, il y a moins de distinction entre l'exécution et l'écoute de la musique, comme pratiquement chacun est impliqué dans une sorte d'activité musicale, souvent commune. Dans des pays industrialisés, écoutant la musique par une forme enregistrée, comme l'enregistrement de son ou l'observation d'un vidéo de musique, est devenu plus commun que l'épreuve de l'exécution vivante, grossièrement au milieu du 20ème siècle.

Parfois, le fonctionnement vivant incorpore des sons pré-enregistrés. Par exemple, un DISC-JOCKEY utilise des rapports de disque pour griffant et quelques travaux 20ème-siècle ont un solo pour un instrument ou une voix qui est exécutée avec la musique qui est pré-enregistrée sur une bande. Les ordinateurs et beaucoup de claviers peuvent être programmés pour produire et jouer la musique de MIDI. Les spectateurs peuvent aussi devenir des interprètes en participant dans Karaoke, une activité d'origine japonaise qui se concentre autour d'un dispositif qui joue les versions éliminées de voix de chansons bien connues. La plupart des machines de karaoke ont aussi des écrans vidéo qui montrent le lyrique aux chansons étant exécutées; les interprètes peuvent suivre le lyrique comme ils chantent sur les traces instrumentales.

Affaire

industrie de musique

L'industrie de musique se réfère à l'industrie d'affaires connectée avec la création et la vente de musique. Il consiste en sociétés record, des étiquettes et les éditeurs qui distribuent des produits de musique enregistrés internationalement et qui contrôle souvent les droits à ces produits. Quelques étiquettes de musique sont "indépendantes", tandis que d'autres sont les filiales de plus grandes entités d'entreprise ou des groupes de médias internationaux.

Éducation

Primaire

éducation de musique

L'incorporation de musique recevant une formation de préscolaire poster l'éducation secondaire est commune en Amérique du Nord et l'Europe, parce que la participation dans la musique est pensée pour apprendre des habiletés de base comme la concentration, le compte, l'écoute et la coopération en aussi promouvant la compréhension de langue, l'amélioration la capacité de se rappeler l'information et la création un environnement plus contribuant à l'étude dans d'autres secteurs. [8] Dans des écoles primaires, les enfants apprennent souvent à jouer des instruments comme l'enregistreur, chanter dans de petits choeurs et apprendre de l'histoire de musique Occidentale d'art. Dans des étudiants de collèges d'enseignement général peut avoir l'occasion d'exécuter un certain type d'ensembles musicaux, comme des choeurs, marchant au pas des bandes, des bandes de concert, des jazz-bands, ou des orchestres et dans quelques systèmes scolaires, les classes de musique peuvent être disponibles. Quelques étudiants prennent aussi des leçons de musique privées avec un enseignant. Des musiciens amateurs prennent typiquement des leçons pour apprendre des rudiments musicaux et le débutant - au niveau intermédiaire des techniques musicales.

Au niveau d'université, les étudiants dans la plupart des arts et des programmes d'humanités peuvent recevoir le crédit de prendre des cours de musique, qui prennent typiquement la forme d'un cours de vue d'ensemble sur l'histoire de musique, ou un cours d'appréciation de musique qui se concentre sur l'écoute de la musique et l'étude de styles musicaux différents. De plus, la plupart des universités Nord-américaines et européennes ont un certain type d'ensembles musicaux que les étudiants de non-musique sont capables de participer à, comme des choeurs, marchant au pas des bandes, ou des orchestres. L'étude de musique Occidentale d'art est de plus en plus commune à l'extérieur de l'Amérique du Nord et l'Europe, comme STSI dans Bali, ou les programmes de musique Classiques qui sont disponibles dans des pays asiatiques comme la Corée du Sud, le Japon et la Chine. En même temps, des universités Occidentales et des collèges élargissent leur programme d'études pour inclure de la musique de cultures non-occidentales, comme la musique de l'Afrique ou Bali (par exemple. Gamelan musique).

Monde universitaire

Musicologie

La musicologie est l'étude du sujet de musique. Les définitions les plus premières ont défini trois sous-disciplines : musicologie systématique, musicologie historique et musicologie comparative. Dans la bourse contemporaine, on va plus probablement rencontrer une division de la discipline dans la théorie de musique, l'histoire de musique et ethnomusicology. La recherche dans la musicologie était souvent enrichie par le travail interdisciplinaire, par exemple dans le champ de psychoacoustics. L'étude de musique de cultures non-occidentales et l'étude culturelle de musique, est appelée ethnomusicology.

Les diplômés de programmes de musique d'étudiant préparant une licence peuvent continuer à plus loin étudier dans des programmes de diplômé de musique. Les diplômes du 3e cycle incluent le Maître de Musique, le Maître d'Arts, le PhD (par exemple, dans la musicologie ou la théorie de musique) et plus récemment, le Docteur d'Arts Musicaux, ou DMA. On attribue typiquement au Maître de degré de Musique, qui prend un à deux ans pour achever, aux étudiants étudiant l'exécution d'un instrument, l'éducation, la voix ou la composition. On attribue typiquement au Maître de licence ès lettres, qui prend un à deux ans pour achever et pour exige souvent une thèse, aux étudiants étudiant la musicologie, l'histoire de musique, ou la théorie de musique. Les degrés d'université d'étudiant préparant une licence dans la musique, y compris le Bachelier de Musique, le Bachelier d'Éducation de Musique et le Diplôme de lettres (avec un principal dans la musique) prennent typiquement trois à cinq ans pour achever. Ces degrés fournissent aux étudiants une base dans la théorie de musique et l'histoire de musique et beaucoup d'étudiants étudient aussi un instrument ou apprennent la technique chantante comme la partie de leur programme.

Le PhD, qui est exigé pour les étudiants qui veulent travailler comme des professeurs d'université dans la musicologie, l'histoire de musique, ou la théorie de musique, prend trois à cinq ans d'étude après le degré du Maître, pendant lequel le temps l'étudiant achèvera des cours avancés et entreprendra la recherche pour une dissertation. Le Docteur d'Arts Musicaux (DMA) est un relativement nouveau degré qui a été créé pour fournir des lettres de créance pour des interprètes professionnels ou les compositeurs qui veulent travailler comme des professeurs d'université dans l'exécution musicale ou la composition. Le DMA prend trois à cinq ans après le degré d'un Maître et inclut des cours avancés, des projets et le fonctionnement. À l'époque médiévale, l'étude de musique était un du Quadrivium des sept Arts Libéraux et a considéré essentiel à l'étude plus haute. Dans Quadrivium quantitatif, la musique, ou plus exactement les harmoniques, étaient l'étude de dimensions raisonnables.

Zoomusicology est l'étude de la musique d'animaux non-humains, ou les aspects musicaux de sons produits par des animaux non-humains. Comme George Herzog (1941) a demandé, "des animaux ont de la musique ?" François-Bernard Mâche Musique, mythe, la nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), une étude "d'ornitho-musicologie" utilisant une technique de la Langue de Ruwet, musique, poésie (1972) l'analyse de segmentation paradigmatique, montre que les chansons d'oiseau sont organisées selon un principe de transformation de répétition. Jean-Jacques Nattiez (1990), soutient que "dans la dernière analyse, c'est un être humain qui décide ce qui est et n'est pas musical, même quand le son n'est pas d'origine humaine. Si nous reconnaissons que le son n'est pas organisé et conceptualisé (c'est-à-dire fait pour former de la musique) simplement par son producteur, mais par l'avis qui le perçoit, donc la musique est uniquement humaine."

La théorie de musique est l'étude de musique, généralement dans une façon fortement technique à l'extérieur d'autres disciplines. Plus largement il se réfère à n'importe quelle étude de musique, d'habitude liée en une certaine forme avec des soucis de la composition et peut inclure des mathématiques, la physique et l'anthropologie. Ce que l'on plus apprend généralement des classes de théorie de musique commençantes sont des directives pour écrire dans le style de la période de pratique commune, ou la musique tonale. La théorie, même celle qu'étudie de la musique de la période de pratique commune, peut prendre beaucoup d'autres formes. La théorie de jeu musicale est la demande de théorie de jeu mathématique à la musique, d'abord appliquée à la musique atonale. La théorie de musique spéculative, contrastée avec la théorie de musique analytique, est consacrée à l'analyse et à la synthèse de matériels de musique, accordant par exemple des systèmes, généralement comme la préparation pour la composition.

Ethnomusicology

Ethnomusicology

À l'Ouest, beaucoup d'histoire de musique que l'on apprend traite avec la musique d'art de la civilisation Occidentale. On apprend aussi l'histoire de musique dans d'autres cultures ("la musique du monde" ou le champ de "ethnomusicology") dans des universités Occidentales. Cela inclut les traditions classiques documentées de pays asiatiques à l'extérieur de l'influence de l'Europe occidentale, aussi bien que la musique populaire ou indigène de divers d'autres cultures.

Les styles populaires de musique diverse largement de culture à culture et de temps en temps. Des cultures différentes ont souligné des instruments différents, ou des techniques, ou des utilisations pour la musique. La musique a été utilisée non seulement pour le divertissement, pour des cérémonies et pour la communication pratique et artistique, mais aussi pour la propagande dans des pays totalitaires.

Il y a un hôte de classifications de musique, dont beaucoup sont attrapées dans l'argument sur la définition de musique. Parmi le plus grand de ceux-ci est la division entre la musique classique (ou la musique "d'art") et la musique populaire (ou la musique commerciale - incluant le rock 'n' roll, la musique country et la musique pop). Quelques genres ne vont pas proprement dans un d'entre ces "de grands deux" des classifications, (comme la musique folklorique, la musique du monde, ou la musique de jazz).

Comme des cultures du monde sont entrées en contact plus grand, leurs styles musicaux indigènes se mêlaient souvent dans de nouveaux styles. Par exemple, les Etats-Unis bluegrass le style contiennent des éléments de l'anglo-irlandais, des traditions instrumentales et vocales écossaises, irlandaises, allemandes et africaines, qui étaient capables de se fusionner dans la société multi-ethnique des Etats-Unis. Les genres de musique sont décidés autant par la tradition et la présentation que par la musique réelle. Tandis que la musique la plus classique est acoustique et a été censée être exécutée par des individus ou des groupes, beaucoup de travaux décrits comme "classique" incluent des échantillons ou la bande, ou sont mécanique. [Recherche originale ?] quelques travaux, comme la Rhapsodie de Gershwin dans Bleu, sont revendiqués tant par le jazz que par la musique classique. Beaucoup de festivals de musique actuels célèbrent un genre musical particulier.

La musique indienne, par exemple, est un des types vivants les plus vieux et les plus longs de musique et entend toujours largement et exécutée au Sud l'Asie, aussi bien qu'internationalement (d'autant plus que les années 1960). La musique indienne a principalement 3 formes de musique Classique, Carnatic, Hindou et des styles Dhrupad. Il a aussi un grand répertoire de styles, qui impliquent seulement la musique de Percussion comme le fonctionnement Tala-vadya célèbre au Sud l'Inde.