Tandis que beaucoup d'individus sont contents de jouer un instrument de musique "par l'oreille" ou en pratiquant des pièces individuelles jusqu'à ce qu'une compétence raisonnable soit réalisée, d'autres veulent développer la maîtrise d'un ou plusieurs instruments et chercher généralement l'instruction formelle en forme de leçons de musique. Pour les gens essayant d'apprendre leur premier instrument, les éléments typiques d'une telle leçon sont comme suit.

Position et style

Peut-être une des choses les plus évidentes un besoins de savoir du jeu d'un instrument est comment y
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exécuter. Cela inclut comment le tenir, comment manipuler ses doigts et comment réaliser la position correcte pour la plupart des résultats de jeu efficaces.

Pour tous les instruments, la meilleure façon de déplacer les doigts pour réaliser un effet désirable est d'apprendre à jouer avec la moindre partie de tension dans vos mains et corps. La technique maximale est réalisée avec les muscles les plus détendus. Cela empêche aussi les habitudes se formant qui peuvent mener aux blessures résultant de l'utilisation incorrecte de l'encadrement squelettique et des muscles. Par exemple, en jouant du piano, "désignant du doigt" - c'est-à-dire que les doigts mettre que les clefs - sont une habileté lentement apprise comme les avances d'étudiant et sont là beaucoup de techniques standard qu'un enseignant peut transmettre. En plus de désigner du doigt, un joueur de guitare apprend comment tapoter, pincer, etc; les joueurs d'instruments à vent apprennent du contrôle de souffle et l'embouchure et les chanteurs apprennent comment profiter de leurs cordes vocales sans les blesser.

Il y a beaucoup de mythes et idées fausses parmi des enseignants de musique, particulièrement dans la tradition classique occidentale, "de la bonne" position et "la mauvaise" position. Les étudiants qui constatent que le jeu de leurs instruments leur cause la douleur physique devraient l'apporter à l'attention de leurs enseignants. Il est potentiellement sérieux, si l'aspect souvent laissé échapper d'étude pour jouer un instrument. Apprenant à utiliser son corps dans une façon compatible avec la voie leur anatomie est conçue pour travailler peut signifier la différence entre une blessure d'endommagement et une durée de vie (de fonctionnement) de plaisir. Beaucoup d'enseignants de musique n'avertiraient des étudiants de la prise "aucune douleur, aucun gain" comme une réponse acceptable de leur enseignant de musique quant à une plainte contre la douleur physique.

Les soucis de la blessure concernant l'utilisation et l'ergonomie de sens de la musique ont gagné plus d'acceptation dans la ligne du courant dominant ces dernières années. Les musiciens se sont de plus en plus tournés aux professionnels médicaux, des kinésithérapeutes et ont spécialisé des techniques cherchant le soulagement de la douleur et la prévention de blessure sérieuse. Existez là une pluralité de techniques spéciales pour une pluralité encore plus grande de difficultés potentielles. Alexandre Technique est juste un exemple de ces approches spécialisées.

Théorie

Pour plus entièrement comprendre la musique étant jouée, l'étudiant doit apprendre de la théorie de musique sous-jacente. Avec la lecture de la notation musicale, les étudiants apprennent des techniques rythmiques comme la direction du tempo et la reconnaissance d'indications de la mesure, aussi bien que la théorie d'harmonie, y compris des cordes et des signatures clefs.

En plus de la théorie de base, un bon enseignant soulignera le sens de la musique, ou comment faire la musique sembler bon. Cela inclut le ton, le phrasé et l'utilisation appropriée de dynamique.

Exercices Techniques

Bien que non universellement accepté, beaucoup d'enseignants entraînent des étudiants avec le jeu répétitif de certains modèles, comme la balance, des arpèges et des rythmes. De plus, il y a des études de flexibilité, qui le rendent physiquement plus facile de jouer l'instrument. Il y a les jeux d'exercices pour le piano conçu pour tendre le rapport entre de quatrièmes et cinquièmes doigts, les faisant plus indépendant. Des taches de lèvre de pratique de joueurs de cuivre, qui sont des changements inarticulés de l'embouchure entre partials. Les livres entiers d'etudes ont été écrits à ce but.

Pièces

L'enseignant donnera à l'étudiant un jeu des pièces de difficulté lentement augmentante. En plus de l'utilisation de pièces comme une aide à l'enseignement des éléments divers de style jouant, un bon enseignant inspirera aussi des qualités plus intangibles comme l'expressivité et le sens de la musique. Les pièces sont indéniablement plus agréables que la théorie ou la balance et un accent sur des pièces est d'habitude exigé pour maintenir la motivation.

Cependant, l'enseignant ne doit pas céder au désir de l'étudiant de pièces "d'amusement". Souvent on tel l'idée de l'étudiant de choix vocaux populaires, des bandes sonores de film, etc. Les pièces qu'un jeux devraient défier et accorder des habiletés de personnes. L'étudiant devrait apprendre quelque chose de chaque morceau qu'il/elle joue. De plus, pour un étudiant à être bien arrondi il/elle doit jouer beaucoup de types de pièces par beaucoup de compositeurs différents. Une bibliothèque diverse de repotoire augmentera la compréhension musicale de l'étudiant et l'habileté.

Examens et d'autres points de référence

Une mesure populaire de progrès, particulièrement pour des enfants, est l'évaluation externe du progrès de l'élève par un examen régulier. Il y a un certain nombre de conseils d'examen qui offrent la chance pour des élèves à être évalué sur la théorie de musique ou sur la pratique. Ceux-ci sont disponibles pour presque chaque instrument de musique.

Une façon commune de marquer le progrès est d'avoir gradué des examens, par exemple de la catégorie 1 (le débutant) à la catégorie 8 (prêt à entrer plus haut à l'étude à l'école de musique).

Quelques enseignants préfèrent d'autres méthodes d'arrangement de cible pour leurs élèves. Le plus commun est le concert de l'élève, qui donne l'expérience dans le jeu en public et sous un certain degré de pression, sans critique franche ou un système d'inscription plus ou moins arbitraire. Un autre est le système gradué de livres suivis par les enseignants de la méthode Suzuki, dans laquelle l'achèvement de chaque livre est célébré, sans un système d'inscription ou le classement d'élèves.

Les bénéfices Extra-musicaux de leçons de musique

Beaucoup de personnes croient que les leçons de musique fournissent aux enfants des bénéfices liés au développement importants au-delà de simplement la connaissance ou l'habileté de jouer un instrument de musique. La recherche suggère que des leçons musicales puissent augmenter l'intelligence et l'accomplissement universitaire, construire le respect de soi et améliorer la discipline.

Une Étude de Base Rockefeller récente a constaté que les majors de musique ont le taux le plus haut d'accès aux facultés de médecine, suivies par la biochimie et les humanités. Sur des essais ÉTÉ ASSIS, le grand nombre moyen national était 427 sur le verbal et 476 sur des maths. En même temps, les étudiants de musique ont fait la moyenne 465 sur le verbal et 497 sur les maths - 38 et 21 points plus haut, respectivement. Cependant, la corrélation observée entre la capacité musicale et mathématique peut être inhérente plutôt qu'acquis.

Les habiletés apprises par la discipline de musique peuvent être transférées pour étudier des habiletés, des habiletés de communication et des habiletés cognitives utiles dans chaque partie des études d'un enfant à l'école, cependant Une Université de Harvard en profondeur étudie la preuve trouvée que le raisonnement spatial-temporel améliore quand les enfants apprennent à faire de la musique et cette sorte de raisonnement s'améliore temporairement quand les adultes écoutent les certaines sortes de musique, y compris Mozart (Rauscher, Shaw et Ky, 1993). Cette découverte qui a été nommée "l'effet de Mozart" suggère que la musique et le raisonnement spatial soient rapprochés psychologiquement (c'est-à-dire, ils peuvent compter sur certaines des mêmes habiletés sous-jacentes) et peut-être neurologiquement aussi. Cependant, il y a eu la controverse considérable au sujet de cela comme les chercheurs postérieurs ont échoué à reproduire les découvertes originales de Rauscher (par exemple. Steele, la Basse et le Crochet, 1999), mis en doute tant la théorie que la méthodologie de l'étude originale (Fudis et 2004 Lembesis) et suggéré que les effets d'amélioration de musique dans des expériences ont été simplement en raison d'un niveau accru d'éveil (Thompson, Schellenberg et Husain, 2001).

Un rapport entre la musique et le renforcement de maths, la danse, la lecture, la pensée créatrice et des habiletés d'arts visuelles a aussi été annoncé dans la littérature. (Gagnant, Hetland, Sanni, comme annoncé dans les Arts et l'Accomplissement Universitaire - que les Expositions de Preuve, 2000)

Aussi des découvertes récentes que par docteur Levitin d'Université McGill à Montréal, le Canada, sapent le rapport suggéré entre la capacité musicale et des habiletés mathématiques plus hautes. Dans une étude conduite sur des patients avec le Syndrome Williams (un désordre génétique causant l'intelligence basse), il a constaté que bien que leur intelligence soit celui de petits enfants ils possédaient toujours exceptionnellement le haut niveau de capacité musicale.